jueves, 29 de agosto de 2019

VANGUARDIAS (1945-1970) segunda vanguardia postguerras:

Las llamadas segundas vanguardias comienzan tras la Segunda Guerra Mundial.
Debido a las consecuencias de tan destructor y lamentable acontecimiento, Europa
entra en una crisis cultural y política que favorece la emergencia de un nuevo
panorama artístico y permite que la capital mundial del arte pase de París a Nueva York.
Estas segundas tendencias se sucedieron muy rápidamente gracias a los nuevos
medios de comunicación de masas, cada vez más efectivos por el alto desarrollo
tecnológico, pero a la vez de un modo más natural, menos traumático. La experiencia
de las primeras vanguardias dio cierta tranquilidad y sosiego al espectador, que pudo
asimilar mucho mejor esta segunda oleada. Esta vez, las vanguardias no eran fruto de
artistas incomprendidos que quieren escandalizar al público, sino que se convierten
en nuevas y atractivas tendencias. Adquieren un tinte más atractivo, moderno y
exclusivo que favorecerá el mercado y la aproximación del público en general.

  • TENDENCIAS INFORMALISTAS: Informalismo, Expresionismo abstracto americano, Arte Póvera.
  • TENDENCIAS RACIONALISTAS: Nueva Abstracción Americana, Minimal Art, Arte Cinético.
  • NEO REPRESENTATIVAS: Pop Art, Hiperrealismo,  
  • TENDENCIAS CONCEPTUALES: Arte Conceptual, Happenings, Body Art, Land Art.

miércoles, 28 de agosto de 2019

Vanguardias estéticas: Land Art

Land Art.

Corriente artística surgida a finales de los años sesenta en Estados Unidos que tiene
como fin trasladar el trabajo artístico a los espacios naturales, los cuales son
transformados por el pensamiento y acción del artista. Generalmente las piezas
adquieren enormes dimensiones y su presentación en las galerías suele llevarse a
cabo con una extensa documentación de fotografías, videos y textos. Una pareja
artística que se encuadra en esta vanguardia son Christo y Jeanne-Claude.

Características del Land Art:



  • El propósito fundamental de alterar en sentido estético y artístico el paisaje
  • La obra de arte siempre posee una apariencia final que es juzgada como híbrido entre escultura-arquitectura en el paisaje.
  • En las realizaciones el paisaje es referido como un nuevo espacio contemporáneo con dimensión artística.
  • Las obras de Land Art constituyen crítica y cuestionamiento al comportamiento artístico, alejando sus producciones de las tradicionales sendas de la comercialización e exhibición tradicional de los objetos artísticos (cuadros, esculturas, etc.)

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"Sorrounded Islands", Christo y Jeanne-Claude

Vanguardias estéticas: Body Art

Body Art.

El Body Art comparte ideas del Arte Conceptual y del Happening, aunque se centra en
especial en el cuerpo humano. Reflexiona acerca de él y lleva a cabo sus
manifestaciones mediante el propio cuerpo. Sus temas son eminentemente sociales,
sexuales o de contraposición del cuerpo masculino y femenino. Uno de sus baluartes
es Bruce Nauman.

Caracteristicas del Body Art:

  • Carácter efímero, pues la realización del espectáculo de Body art solo puede ser observado en toda su potencialidad mientras dura la representación. Una vez concluida la presentación esta solo puede ser apreciada en documentación fotográfica o videográfica.
  • Uso del cuerpo como material y forma expresiva.
  • Como género artístico el Body art tiende a fusionar las más variadas formas artísticas (performance, danza, artes escénicas, artes plásticas, etc.)
  • El Body art potencializa la intervención-acción con el público expectador a través de el proceso de demostración y creación artística.
  • Género que reclama del artista conocimientos básicos de expresión, proyección espacial, música, danza, etc.
  • El body art es el trabajo en conjunto con los sujetos frente al individualismo del modernismo.

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"Triangulation", Bruce Nauman

Vanguardias estéticas: Happenings

Happenings.

Expresión del Arte conceptual que se puede considerar independiente. Consiste en
realizar una acción, un evento, una actividad que, en sí misma, como acto, se considera
una obra de Arte. Suele tener un guión, parecido a una obra de teatro aunque se da
mucho la improvisación del artista. Se puede dar en diferentes contextos, involucrando
en muchas ocasiones al público. Allan Kaprow fue el primero en utilizar el término
happening en 1957 en una convención artística para describir algunas de las piezas a
las que habían asistido.

Características de el Happening:

La propuesta original del happening artístico tiene como tentativa el producir una obra de arte que no se focaliza en objetos sino en el evento a organizar y la participación de los "espectadores", para que dejen de ser sujetos pasivos y, con su actividad, alcancen una liberación a través de la expresión emotiva y la representación colectiva. Aunque es común confundir el happening con la llamada performance el primero difiere de la segunda por la improvisación, dado que es difícil una real improvisación, por la imprevisibilidad.
El happening en cuanto a manifestación artística es de muy diversa índole, suele ser no permanente, efímero, ya que busca una participación espontánea del público. Por este motivo los happenings frecuentemente se producen en lugares públicos, como un gesto de sorpresa o irrupción en la cotidianeidad. Un ejemplo de ello son los eventos organizados por Spencer Tunik en los cuales se implican a masas de gente desnuda.

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Vanguardias estéticas: Arte Conceptual

Arte Conceptual.

Aunque se puede considerar que el Arte Conceptual nació con el dadaísmo, no fue
hasta algo más tarde que se desarrollara como una vanguardia independiente. Sin
embargo, comparte muchas de las premisas dadaístas, sin cuya existencia el Arte
Conceptual no tendría razón de ser. Es una vanguardia de denuncia hacia una sociedad
poco concienciada y crítica con lo que ve en salas y museos, y trata de incitar a la
reflexión y a cuestionar aspectos muy afianzados relativos al mundo artístico y a su
mercado.

Entre las principales características del arte conceptual mencionamos las siguientes:

  • Dado que las ideas y los conceptos son la característica principal del arte, la estética y las preocupaciones materiales tienen un papel secundario en el arte conceptual.
  • Los temas del arte conceptual pueden dedicarse a explorar, atestiguar, cuestionar, criticar o denunciar la realidad actual del entorno social, político o económico.
  • Utiliza la ironía, sátira o la polémica en su forma de manifestación buscando la reflexión y la lectura del concepto artístico.
  • Se reduce la presencia material de la obra, lo que se conoce como desmaterialización del arte, y ésta es una de las características principales.
  • Nació como una reacción contra los principios del formalismo.
  • El arte conceptual es un término muy amplio e incluye varias prácticas artísticas
Imagen relacionada



Bancos, por Pablo Reinoso

Vanguardias estéticas: Hiperrealismo

Hiperrealismo.

Se entiende como una prolongación o evolución natural del Pop Art. En particular, los
retratos e imágenes Pop, poseen el atractivo de ser similares a la realidad debido a su
origen (muchas de estas imágenes, como los retratos de Andy Warhol se obtuvieron
directamente de fotografías) aunque con un lenguaje propio, la mayoría de las
ocasiones reducciones de color, dos o tres tonos saturados con el retrato en negro. El
grado de iconicidad de una obra, es decir, su parecido con la realidad comenzó a
valorarse y eso produjo el nacimiento del Hiperrealismo, un movimiento cuyo objetivo
era conseguir el mayor parecido posible con la realidad, hasta límites nunca alcanzados
anteriormente. Es, por tanto, una vanguardia de alto poder técnico y de una
meticulosidad exagerada en su ejecución. La fotografía fue su principal competencia,
aunque siempre trató de distanciarse produciendo imágenes que no pudiesen ser
fotografiadas, escenarios imposibles, ángulos forzados, etc. con lo que consiguió su
propio terreno en el Arte.

Las principales características del hiperrealismo son:

  • Exactitud de los detalles.
  • La diferenciación entre lo real y la imagen.
  • Objetividad.
  • Radicalismo.
  • Independencia.
  • Precisión.
  • Rechazo al mecanismo aplicado a la realidad.
Marco Grassi

Marco Grassi

'Golden girl' (2015), carbón sobre papel, © Mike Dargas. Hiperrealismo

"Golden Girl", Mike Dargas



Vanguardias estéticas: Pop Art

Pop Art.

Primera vanguardia neo representativa de origen norteamericano inspirada en artes
consideradas menores como son el cómic, la ilustración y el cartel. Trataban de impulsar
esa estética de aspecto infantil y lenguaje bidimensional, mostrando en muy ocas
ocasiones la pincelada. Utiliza la tinta plana y los colores muy saturados por lo que
muchos de los artistas pop recurren al grabado que favorece ese efecto, en especial a
la litografía y a la serigrafía. Sus principales componentes son Roy Linchestein, Andy
Warhol, Jasper Jons y David Hockney.

Características del pop art:

  • Uso constante de la publicidad y los comics: Hace uso de diversos objetos de inspiración basados en la cultura urbana y popular, por lo que se da un uso muy marcado de collages como medio de exposición de las ideas o emociones del artista.
  • Tipo de materiales empleados: Todo tipo de materiales, desde diferentes clases de pinturas como las ceras o el óleo, hasta otros elementos como las fotografías
  • Oposición a los movimientos precedentes: Como ya mencionamos, este movimiento artístico se opone a movimientos imperantes como lo es el expresionismo abstracto, mismo que era considerado vacío y elitista; así como a algunas corrientes del modernismo.
  • Lenguaje figurativo y realista: Como medio para expresar las diferentes costumbre, culturas, apariencias e ideas del mundo contemporáneo, mediante temas que reflejaban una sociedad de consumo.
  • Uso excesivo del collage: En el Pop Art podemos encontrar recortes de revistas, periódicos, libros, fotografías, propagandas, formando collage.
  • Uso del erotismo y del desnudo: Es común encontrar obras del Pop Art como carteles, folletos o fotografías de propagandas y anuncios publicitarios, comics, películas o animaciones con desnudos o escenas eróticas llevado a niveles exuberantes.
  • Publicidad de objetos cotidianos: Este movimiento es empelado como expresión del arte cotidiano urbano en el que se vive; por lo que con frecuencia usaban productos y utensilios cotidianos, como latas de refrescos, revistas, secadoras, tijeras, productos de limpieza, refrigeradores, automóviles, radios y televisores.
  • Empleo de Personajes famosos: El Pop Art se caracteriza por el uso de la imagen de personajes famosos del momento en sus obras, personajes como Marilyn Monroe, john F Kennedy, Michel Jackson, entre otros, combinándolos con diversos colores intercalados.
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Sopa Campbells inspirada por Andy Warhol

Cow | Andy Warhol | Pop Art | 1966

"Cow", Andy Warhol

Coca-Cola 3 bottles | Andy Warhol | Pop Art | 1962

"Coca-Cola 3 bottles", Andy Warhol

Vanguardias estéticas: Arte Cinético

Arte Cinético

Tiene como principio básico el movimiento, de manera que ha estado más presente en
escultura que en pintura. Las obras de arte cinético se pueden encuadrar en tres
subcategorías: obras con movimiento propio, ya que se mueven por medio de un
mecanismo (motores, ingenios eléctricos) o por acción de algún elemento
independiente (música, viento, temperatura), obras de ilusión óptica en las que se
encuadra la pintura cinética, y obras interactivas en las que el espectador debe
accionar o ejecutar alguna acción. Como representantes de cada uno de estos grupos
podemos nombrar a Alexander Calder, con sus móviles, estructuras colgantes muy
ligeras que se mueven con el viento, al español Eusebio Sempere, con sus serigrafías
de líneas muy finas y geométricas que al entrecruzarse producen la sensación óptica
de movimiento, y a Marcel Duchamp respectivamente.

Características del Arte Cinético:

  • El arte cinético se basa en la búsqueda de movimiento, pero en la mayoría de las obras el movimiento es real, no virtual.
  • Para realizar la obra el artista se plantea y sigue una estructura rigurosamente planificada.
  • La mayoría de las obras cinéticas son tridimensionales, se despegan del plano bidimensional.
  • Los recursos para crear movimiento son casi infinitos, tales como el viento, el agua, motores, luz, electromagnetismo.
  • Busca la integración entre obra y espectador.


Imagen relacionada

"Constelation Mobile", Alexander Calder

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Eusebio Samperes

Vanguardias estéticas: Minimal Art

Minimal Art.

El arte minimal comenzó siendo una vanguardia más, aunque su proyección e
influencia ha sido enorme en el arte y el diseño de final del siglo XX y principios de
XXI. Inspirada en el arte oriental, tiene como lema “menos es más”, de modo que, si
una imagen, un interior, un objeto industrial, etc., se puede resolver con un mínimo de
elementos no se le añadirá ni uno más. De este modo, produce imágenes limpias,
aparentemente vacías y simples, aunque con gran carga estética más que funcional.
Uno de sus representantes fue Sol le Witt.

Características del Arte minimalista:

• El arte minimalista es una corriente artística contemporánea surgida durante la década de los años 60
• Tiene sus raíces en los aspectos reductores de la modernidad
• Presenta tendencia a reducir sus obras a lo fundamental, utilizando sólo los elementos mínimos y básicos
• Las obras son representaciones de cosas esenciales y fundamentales para el artista
• La conexión entre obra y espacio es propiciada por el tamaño o la colocación del objeto
• El arte minimalista emplea la geometría elemental de las formas, buscando la mayor expresividad con los mínimos recursos
• En el minimalismo predominan paredes blancas desnudas y grandes salas
• Las obras minimalistas modifican la percepción del espacio circundante de forma intencionada
• En la escultura se usan formas semejantes a cubos, pirámides o esferas, organizadas en ángulos rectos, generalmente en series
• En el arte minimalista el espacio es el lugar en el que se produce el encuentro entre sujeto y objeto y la experiencia de la obra
• La pintura minimalista presenta influencia del constructivismo, usa formas rectangulares y cúbicas, usando la repetición en superficies neutras, predominando mucho el color
• La decoración minimalista presenta un orden estético apoyándose en la no acumulación de objetos innecesarios que perturben su visión.
• El arte minimalista presenta una abstracción total, operando exclusivamente en términos de material, superficie, tamaño y color
• El minimalismo expresa gran austeridad en la composición y la ausencia de ornamentos innecesarios
• Busca la reducción que centre la mirada en cuestiones formales como el color, la escala, el volumen o el espacio circundante
• En la ambientación se utiliza la madera y materiales rústicos, como el cemento alisado, vidrio, alambre de acero y piedras, principalmente en estado natural.
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"Las dimensiones de un Cuadrado", Sol Lewitt

Vanguardias estéticas: Nueva Abstraccion Americana

Nueva Abstracción Americana.

Su principal componente fue el estadounidense Frank Stella. Es una vanguardia de
grandes formatos que afirma la obra como estructura y materia. Destaca así, la
composición más que los elementos anecdóticos presentes. Utiliza una paleta muy
saturada son obras de clara bidimensionalidad y formas simples, con el objetivo de que
éstas no tomen gran protagonismo y el conjunto sea, al fin y al cabo, lo principal.

Características principales de la nueva abstracción Americana

- Abstracción geométrica de concepción estrictamente formalista.

- Ausencia de sentido sensitivo o gestual.

- Rechazo de lo subjetivo y sígnico típico del expresionismo abstracto.

- Máxima pureza de lenguaje, economía y nitidez de formas (claridad lineal y apertura de diseño).

- Estructuración compositiva basada por completo en la bidimensionalidad de la tela, sus límites y las cualidades específicas del color.

- Diseños geométricos sencillos (dianas, rombos, estrellas, semicírculos) a base de bandas de color rectas, curvas y entrelazadas, rigidamente delimitadas entre si (hard-edge).

- Carácter decorativo tipo "art deco" de los años veinte (Stella).

- Colores planos, puros y también tonales en gradaciones (Olintski).

- Creación de efectos suaves de vibración y profundidad.

- Grandes formatos, a menudo con sus contornos excéntricos o siguiendo las formas geométricas del interior (lienzos con forma de Stella).

- Superficies de color pulcramente aplicado (Newman, Stella, Noland) o colores jaspeados y desigualmente pintados (veladuras o transparencias) de ligero efecto atmosférico (Noland)

- Efecto colorista que recuerda las señales de tráfico.

- Utilización preferentemente de pinturas acrílicas que son aplicadas manchando o empapando el lienzo en lugar de pintar sobre la superficie (Noland, Louis).

- Creaciones en series, se utiliza un solo motivo en sucesivas pinturas hasta creer que se ha agotado sus posibilidades (Noland, Louis).

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""Khurasan Gate variation II", Frank Stella


Vanguardias estéticas: Arte Póvera

Arte Póvera

Vanguardia de procedencia italiana, su máximo representante fue Miguel Ángelo
Pistoletto. Le interesa la reutilización de material tecnológicamente poco avanzado,
tradicional, no industrial. Tiene como influencia directa el dadaísmo, especialmente el
trabajo de Duchamp. De alto componente conceptual, vuelve a cuestionar
determinados criterios artísticos de aparente aceptación general. Entre los artista que
cultivan el arte Póvera destacan Antonio Tápies y Govanni Anselmo.

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"El calcetín", Antonio Tápies

Vanguardias estéticas: Expresionismo abstracto americano

Expresionismo abstracto americano.

Tendencia que muestra grandes e importantes influencias como son el surrealismo, el
expresionismo y la abstracción. La referencia con la naturaleza y la figuración en este movimiento está más que superado. Un importantísimo elenco de artistas compone el
grupo que pertenece a esta tendencia. Un grupo, además, que se conocía
personalmente, compartieron estudio y sala de exposiciones y reflexiones acerca del
movimiento. Cada uno consiguió un estilo personal que les distinguía, pues, aunque
pertenecían a la misma tendencia, cada uno optó por un camino distinto. Todos
obtuvieron fama y reconocimiento.
El primero, el americano Jackson Pollock, creador de un nuevo modo de pintura: el
Dripping. El artista sitúa el lienzo en el suelo y, moviéndose alrededor del mismo (y en
ocasiones por dentro del mismo lienzo) deja caer finos hilos de pintura que se
desprenden del pincel recién cargado en el bote. El resultado es una trama compleja
de hilos que forman una trama muy atractiva visualmente. El artista se interesa por el
azar, por lo que no es controlable.
Otro artista reconocido fue Willem de Kooning. La pintura de de Kooning puede
compartir planteamientos con Pollock aunque es mucho más directo. Busca el gesto, la
pincelada, la mezcla de los colores en el mismo lienzo. Utiliza colores puros y muy
saturados, combinados con algunos colores de tierras y sombras.
El tercero de la lista de expresionistas abstractos fue Philip Guston. Único
representante de este grupo que mantuvo cierta figuración en sus lienzos. Consiguió
un lenguaje propio, casi jeroglífico, de modo que los mismos elementos se repetían
una y otra vez para contar un mensaje. Fue un artista obsesionado con el miedo, el
miedo al tiempo, que se agota, a las agresiones en general, a la pobreza.
Acostumbraba a pintar por la noche, ya que, según el propio artista, esos miedos que
movían su pintura eran mucho más intensos. Su paleta era bastante monocroma en
general, ya que sus obras más representativas se mueven en rosas y algún tono de
contraste.
Por último nombrar a Mark Rothko. Creador del llamado “Color Field Painting” fue un
artista de dedicación plena y obsesiva a su obra. Alcanzó una técnica exquisita a la
hora de fundir tonos y obtener colores expresivos. Pintor de grandes formatos,
reivindica la identidad de la abstracción y la expresividad de grandes superficies de
color.


Las principales caracteristicas del Expresionismo Abstracto Americano:

  • Tiene preferencia por los formatos grandes.
  • Se trabaja principalmente con pintura de óleo sobre lienzos.
  • Son motivos abstractos, aunque los trazos figurativos también suelen aparecer.
  • Realizan cobertura de las superficies para significar un campo abierto sin límites.
  • Tiene un cromatismo bastante limitado, y se usa más el blanco y el negro.
  • Representan rasgos de angustia y conflicto.
  • Rechazan el convencionalismo estético, pero tienen libre expresión y subjetiva del inconsciente.
  • Valoran lo accidental y tienen intensidad de propósito.
  • Predomina el trazo gestual en las expresiones, además de un gran dinamismo.
  • Usan manchas y líneas llenas de ritmo.
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"Male and Female Philadelphia", Jackson Pollock

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"Muro este", Conrad Marca Relli


Vanguardias estéticas: Informalismo

Informalismo.

Tendencia pictórica, también denominada a veces, Tachismo o Abstracción Lírica, a
pesar de su desarrollo independiente, compartió con el Expresionismo Abstracto el
peso del surrealismo, del automatismo, de la improvisación psíquica como revelación
del mundo subjetivo del artista. Se caracteriza por el uso de grandes empastes de
pintura, en muchas ocasiones con aditivos (arena, polvo de mármol, yeso...). Su
pincelada es impulsiva y da la máxima importancia al gesto. El artista más
representativo del estilo fue Jean Dubuffet.

Características de el Informalismo

  • Predominio de la espontaneidad y el gesto                                                                                                                                                                                                                                                 
  • Automatismo puro marcado por el ritmo creativo                                                                                                                                                                                                                                            
  • Empleo de la materia como medio para transmitir experiencias únicas.                                                                                                                                                                                            
  • Carencia o inexistencia de ideas preconcebidas, la obra de arte es entendida como un momento único de creación.                                                                                                        
  • La obra acabada antecede a la idea, el resultado final es la idea.                                                                                                                                                                                                          
  • Espontaneidad creativa.                                                                                                                                                                                                                                                                         
  • Ruptura con los antecedentes pictóricos, en virtud de lograr una expresión novedosa, auténtica e irrepetible.                                                                                                                           
  • Marcada obsesión por desaparecer la forma y su concepto en el arte.

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"El viajero sin brújula", Jean Dubuffet



Vanguardismos estéticas: Neoplasticismo

Neoplasticismo.

De origen holandés, el grupo que lo desarrolló recibió el nombre de “De Stijl” (el
estilo) debido al nombre de la revista en la que trabajaban sus componentes y en la
que publicaban sus escritos. Fue una prolongación de los valores estéticos el
constructivismo, aunque sin su ideología y compromiso político. Demostraron su intento
por aunar disciplinas en proyectos completos. Diseñaban el edificio y el interiorismo
(muebles, colores de las paredes, colocación de los mismos...) en un mismo proyecto
porque entendían que no eran conceptos distintos. Con ánimo de huir de las referencias
naturales recurrieron a las formas geométricas puras y a los colores saturados,
especialmente los primarios y el negro para dar contraste. Sus principales
componentes fueron Theo van Doesburg, y Piet Mondrian.

Características del Neoplasticismo:

  • En neoplasticismo se da una preferencia por el uso de la línea recta, los planos, cubos y el ángulo recto, siendo el rectángulo una forma básica, que aparece en la mayoría de los cuadros.
  • Presenta un planteamiento absolutamente racionalista, en donde prevalece lo elemental, eliminando lo accesorio.
  • Empleo de colores primarios o neutros que reduce la complejidad del objeto representado en un número limitado de tonalidades disonantes entre sí.
  • La pintura en el neoplasticismo se vale de una gama pequeña de contrastes y tonalidades que expresan formas equilibradas, sin simetría, separadas de los objetos reales.
  • Búsqueda de la perfección y la armonía plástica, con una visualidad proporcionada y moderada
  • Los pintores se alejaron del arte clásico en donde se plasmaba la realidad, para en su lugar dibujar cualquier cosa sin tener que hacerlo con lujo de detalles; únicamente con las formas y los colores básicos.
  • Los neoplasticistas buscaban proporcionar una lenguaje plástico objetivo y universalidad en sus pinturas, de tal modo que pudiera tener significado para cualquiera que la vea.
  • En el neoplasticismo se enfatiza la indagatoria de la renovación estética, obligándose a conseguir un lenguaje plástico, objetivo y a la vez universal.
  • Se da una ausencia de trazos diagonales y curvilíneos, en donde la belleza se percibía reduciendo las formas a una geometría simple.
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"Composicion XX", Theo Van Doesberg

Vanguardias estéticas: Surrealismo

Surrealismo 1924/1939.

Comienza con un manifiesto escrito esta vez por el poeta André Breton. El término lo
acuña el escritor G. Apollinaire. Se desarrolla, como se puede deducir por las fechas,
en un periodo inestable de entreguerras en el que los intelectuales tratan de
comprender la profundidad psíquica del hombre, los sueños, lo inconsciente. Los
escritos y teorías del psicoanálisis de Sigmun Freud aportó base científica e
ideológica, y las obras de Füsli y Blake la influencia artística. Podemos hablar de dos
tipos de Surrealismo pictórico y dos grandes grupos de pintores surrealistas. Por un
lado, los pertenecientes al Surrealismo figurativo, entre los que se encontraban Max
Ernst, René Magritte, Dalí y Chagall, quienes exploraron el surrealismo desde una
óptica de realismo formal, pues, a pesar de sus deformidades y transformaciones, nunca abandonaron la referencia real de los objetos. Por otro lado, el Surrealismo
abstracto contaba con Yves Tanguy, Miró, Klee y Hans Arp. Parte fundamental esta
tendencia fue la escultura. Giacometti, Henry Moore, Alex Calder, M. Ernst y Man Ray.

Características del surrealismo

  • El surrealismo nació en varios países como un movimiento literario, pero acabó invadiendo otras artes: la escultura, el incipiente cine y, sobre todo, la pintura.                                                                                                                                                             
  • Se admite todo lo que rebasa la lógica y el inconsciente. Se considera que la verdad está detrás del mundo real.                                                                                                  
  • Los sueños (y su interpretación), los mitos, las visiones, lo maravilloso son admitidos. Por tanto, a través del onirismo y de la fantasía se podía acceder a aquello que permanecía oculto.                                                                                                                    
  • El automatismo, el psicoanálisis y la brujería adquieren un papel preponderante.                                                                                                                                                         
  • Al tiempo, se reniega de la moral, de las convecciones y de los protocolos sociales imperantes por considerarse que coartan la libertad que lleva a esa verdad oculta.                                                                                                                                                       
  • La obra de arte se convierte en el medio, en el demiurgo, para que afloren todo ese conocimiento desconocido y amordazado por las costumbres burguesas.                                                                                                                                                                     
  • El surrealismo se presenta como revolucionario, como una estética que, al poner de manifiesto lo desconocido, pretende hacer saltar por los aires los cimientos establecidos de la sociedad.                                                                                                  
  • Propugna, por tanto, el cambio radical. Por eso, varios de sus autores se declararon abiertamente marxistas, izquierdistas o anarquistas.
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"La persistencia de la memoria", Salvador Dalí


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"Carnaval de Arlequín", Joan Miró



Vanguardias estéticas: Dadaísmo

Dadaísmo 1915/1922.

El más radical y agresivo de los -istmos de principios de siglo nació en Zürich (Suiza)
obra de Tristan Tzara. Fue una vanguardia anarquista que se mostró rotundamente en
contra de cualquier norma social, moral o estética. Contundente, destructor y
provocador, basado en lo absurdo, lo elemental, lo casual y lo azaroso (la misma palabra
dadá que designó el movimiento se escogió de modo arbitrario en un diccionario). Su
objetivo principal era cuestionar unos criterios artísticos fuertemente afianzados y
aceptados en la época. El ejemplo máximo de Dadá fue el artista francés Marcel
Duchamp que, a través de los denominados ready-mades (objetos industriales sin
valor, elevados a la categoría de obra de arte por el simple hecho de exponerlos en un
museo bajo una firma y una fecha) trató de ridiculizar la veneración pasiva y poco
crítica del público burgués. Gracias al movimiento dadaísta, el Arte abrió sus fronteras
y aceptó otros modos de expresión artística, lo que fue su mayor aportación. Era el
nacimiento de lo que hoy denominamos arte conceptual. Además de Duchamp, los
componentes de este grupo fueron Hans Arp, Francis Picabia, M. Ernst y el fotógrafo
Man Ray.

Características del Dadaísmo

  • Rompimiento con los modelos tradicionales y clásicos;
  • Espíritu vanguardista y de protesta;
  • Espontaneidad, improvisación e irreverencia artística;
  • Anarquismo y nihilismo;
  • Búsqueda del caos y desorden;
  • Contenido ilógico e irracional;
  • Carácter irónico, radical, destructivo, agresivo y pesimista;
  • Aversión a la guerra ya los valores burgueses;
  • Rechazo al nacionalismo y al materialismo;
  • Crítica al consumismo y al capitalismo.
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"Balance", Francis Picabia

Vanguardias estéticas: Suprematismo

Suprematismo 1915/1919.

Vanguardia de origen ruso que comienza con el manifiesto de Casimir Malevitch. Busca
la sensibilidad pura del arte a través de un lenguaje plástico nuevo, sin referencias
figurativas ni influencias artísticas previas. Evita cualquier referencia de imitación a la
naturaleza recurriendo a módulos geométricos de formas puras y perfectas de color
austero, en especial el uso del blanco y el negro con algún color poco saturado. Al ser
obras de pocos elementos, y además geométricos, tendrá mucha importancia la
composición y distribución de éstos en las obras.

Características del Suprematismo:

  • Arte no descriptivo intentando representar la nada, que viene a ser representarlo todo
  • Tendencia artística que derivada del Cubismo y relacionada con el Neoplasticismo
  • Caracterizado por emplear fondos neutros principalmente blancos,
  • Abstracción de las formas reducidas a triángulos, cuadrados, la cruz y el círculo
  • Buscaban una abstracción total del mundo sin objetos, por encima de todo fin materialista, práctico, ilusionístico, descriptivo o social.
  • Pintura suprematista desvinculada de la naturaleza, creando una realidad totalmente original
  • Plasmación de armonías sencillas con formas puras y absolutas
  • Gama de colores reduciday contrastantes como el rojo, negro, azul, blanco y verde
  • El punto de fuga no se ubica sobre el horizonte, sino sobre el infinito
  • Las obras presentan sensaciones de movimiento y velocidad
  • Los suprematistas simplifican, ordenan todo, reducen los colores
  • Intentaban que los espectadores de una obra olvidarán que estaban ante una representación, sino ante todo el universo reducido en un cuadrado.

"La arquitectura pictural", Liubov Popova

Vanguardias estéticas: Constructivismo


Constructivismo 1913/1920

Esta nueva vanguardia comparte origen y fechas con la anterior, por lo que su
desarrollo es paralelo y ambas se vigilarán de reojo en su evolución. El
constructivismo, con alta carga política e ideológica propia de la revolución rusa,
pretende la unión entre las artes, pintura, escultura y arquitectura, por lo que comparte
objetivo con una de las escuelas más famosas de la Historia del Arte, la Bauhaus. Este
hecho no es casual, pues varios constructivistas fueron profesores o impartieron
seminarios en algún momento en dicha escuela alemana. Sus autores principales
fueron Vladimir Tatlin, El Lissitzky, Antón Pevsner y Naum Gabo. Prueba de lo
completo de este movimiento es su manifestación cinéfila obra de Eisenstein, quien
tiene en la cinta de “El acorazado Potemkin” un gran ejemplo.

Características del constructivismo:

  • La obra de arte está en comunicación con el espacio que la circunda y penetra, cuya estructura invisible se materializa en ella. El arte concreto se apoyó en esta premisa.   
  • La obra se abre por todas partes hacia el espacio y consta de elementos, frecuentemente transparentes, de formas geométricas, lineales y planas.                      
  • Se valora la simultaneidad del espacio, el tiempo y la luz.                                            
  • Hace hincapié en lo abstracto, relacionado con la industria y la técnica, y es geométrico y funcional.
  • Al igual que el futurismo, el constructivismo manifestaba su rechazo al arte burgués y descubría el proyecto de un nuevo lenguaje en las "propuestas" de la tecnología y la mecánica industriales. Sin embargo, la peculiar situación sociopolítica de la época caracterizó y distinguió el constructivismo.
  • Tiene muchos puntos de contacto con el cubismo, el futurismo, el suprematismo y el dadaismo.
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"El mundo", Antón Pevser

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“Construcción lineal en el espacio nº 2”, Naum Gabo





VANGUARDIAS (1945-1970) segunda vanguardia postguerras: Las llamadas segundas vanguardias comienzan tras la Segunda Guerra Mundial. Deb...